Riffs, melodías, texturas, emoción, épica, rock, madurez, consolidación, calidad. Estas son nada más algunas de las palabras que podrían definir el momento por el que está pasando Taura y, a la vez, describir la variedad de elementos que contiene su nuevo álbum llamado El fin del color.

Si bien es un disco de temática oscura y reflexiva, en que la luz se extingue y las tonalidades se diluyen, paradójicamente posee una paleta de colores que pintan a la perfección la idea que quiere llevar a cabo Taura, banda que tiene más de una década de carrera con varios discos y EP’s en un currículum que también está hecho a base de patear duro y parejo por el under porteño.

Ya pasó la época de definir los integrantes de la banda y ya quedó atrás la búsqueda de un sonido característico. Hoy tienen ambos aspectos solucionados y se nota a la hora de escucharlos. Chaimon, desde su rol de cantante, explota al máximo su faceta rockera y melódica; el resto de la banda es una locomotora que avanza sin temor a una eventual falta de carbón, con la batería de Alejo García Guraieb, la guitarra de Santiago García Ferro y el bajo de Leonardo Della Bitta.

No luz, que contiene furia, riffs y un aire al Faith no More de King for a day…, es la primera de las doce grandes canciones que habitan El fin del color,  como Jardín de Cenizas o Lazo, pero sin dudas es el sexto tema el que debería llevar la cinta de capitán:  A cántaros, sin exagerar una de las mejores canciones salidas a la luz en 2011, resume lo melódico, lo oscuro, lo pesado y hasta lo épico de Taura, con climas y sonidos que recuerdan al mejor Deftones: “Palabras que solo la calmen, susurros después del aluvión, miradas que también le hablen,  de amor después del aluvión. Y un cielo que estalle a cantaros”.

Con desesperación, desolación, oscuridad e incertidumbre se podría llegar a pensar que no hay salida posible. Pero Taura utilizó todas esas sensaciones a su favor, para hacer el gran disco que es El fin del color.

Alejandro Panfil

 Formato: CD
 Sello: Independiente
 Edición Nacional: Si
 Año: 2011
 Puntaje: 6

Paso a paso, como decía Mostaza Merlo cuando le preguntaban sobre las chances de Racing de consagrarse en el 2001, I.R.A., quinteto integrado por Sergio Ira, Salvador Sánchez, Javier Ariza, Lisandro Rosker y Gonzalo Ira, lleva adelante su proyecto musical que tiene como premisa, por sobre todas las cosas, tocar y tocar, aprovechando al máximo cada oportunidad que se presente en la escena porteña.

Su disco homónimo, en el que dejan notar influencias que vienen por el lado de Social Distortion, Attaque 77 y Bulldog, cuenta con nueve canciones prolijamente grabadas con las que logran trasladar la esencia de sus presentaciones en vivo, aunque la voz queda un poco expuesta.

I.R.A. es punk rock de tracción a sangre con algunos toques melódicos, como los que se pueden apreciar en Cero, Perros callejeros y En el camino. En dichos tracks se hace presente un tono melancólico y algo pesimista que se va de un plumazo cuando llega El Calavera, ya decididamente en clave festejo: “preguntale al diablo si lo ves, cuando me muera si nos vamos a ver, no quiero ir al cielo a descansar, quiero quedarme viviendo un poco más”.

El disco, grabado en el estudio Elephas con Jorge Kontos a cargo de las consolas, fue producido por la propia banda y mezclado por Max Scenna, cantante de Fetzet. I.R.A. y su disco ya están disponibles para aquellos que se quieran acercar.

Alejandro Panfil

“Ararat es música de la resistencia” es lo que reza el sencillo pero interesante librito de dos hojas que acompaña a Ararat II, el nuevo disco del proyecto paralelo de Sergio Chotsourian, guitarrista y cantante de Los Natas, llevado adelante junto a su hermano Santiago Chotsourian y Alfredo Felitte.

Escucharlo durante los 56 minutos que dura es escalar imaginariamente el Monte Ararat, ese que fue arrebatado por Turquía a principios del siglo XX y que nunca más fue recuperado por sus verdaderos dueños. La tristeza, la rabia y la resistencia quedan expresadas musicalmente por estos descendientes de armenios que a miles de kilómetros de distancia logran empatizar con la causa.

Acá no cabe el facilismo de sentenciar que es un álbum de Los Natas con otro nombre y es menester poner cada cosa en su lugar: la banda de Chotsourian, Broide y Villagra se basa en la oscuridad metalera del viejo Black Sabbath y en la zapada eterna. En Ararat II se alternan los climas, a tal punto de ser dos discos en uno: se pasa de lo más denso y pesado, con Sergio soltando frases cortas pero contundentes como “el tiempo es un caballo rápido, lo sé”, en Caballos, a un clima más reflexivo y melancólico en Atenas, donde Santiago Chotsourian, licenciado en composición, dirección orquestal y coral, aporta lo suyo desde el piano.

Sergio CH encuentra lugar también para meter guitarra criolla en El inmigrante, que como su nombre lo dice, describe lo traumático de abandonar el lugar de origen: “Son cinco los barcos que llegan, hay uno que es para vos, descargan maquinas de guerra, familias partidas en dos”.

La batería, a cargo de Alfredo Felitte, se hace presente con toda su fuerza en La ira del dragón (Uno), última descarga energética antes de redondear la obra con Tres de Mayo, un instrumental que cumple con el objetivo de erizar la piel y agudizar los sentidos de quien haya experimentado Ararat II, un disco que, sin exagerar, marcha derechito a convertirse en uno de los mejores del 2011.

Alejandro Panfil

Formato: CD
Sello: Tommy Gun Récords
Edición Nacional: Si
Año: 2007
Puntaje: 7

Timmy O’ Tool, que hoy tiene casi el setenta por ciento de la banda viviendo en México, está en un gran momento en cuanto a performances en vivo y, por supuesto, sacándole el jugo a su tercer disco de estudio, Sigo acá de pie. En el mismo, lograron de una vez por todas trasladar el sonido y la energía que la banda tiene sobre el escenario hacia la intimidad del estudio de grabación.

Luego de atravesar por una serie de cambios, en los que, por ejemplo, se quedaron sin el cantante, la banda tuvo que rebuscárselas para suplir esa ausencia y allí aparecieron en escena el Mono, guitarrista, y Taz, bajista, para tomar la posta. Entre ambos consiguieron no solo reemplazar a Larva sino que también encontraron más matices vocales, algo que todavía no había experimentado TOT. Así, junto al productor Matías Cugat,  el trío que se completa con Rana en la batería pudo combinar fuerza instrumental y melodías, obteniendo como resultado el disco más compacto y representativo hasta el momento.

Yendo al grano, la cosa arranca poderosamente con Poder Volar y Crecer, que en su comienzo tiene un aire al Deftones de White Pony. En Sigo acá de pie, Marcelo Corvalán, de Carajo, aporta toda su rabia, transformada en energía positiva, y la constante arenga, para que nadie se quede quieto: “Es mi vida y es corta, disfrutarla me importa. Positivo te digo, es mi firma”, dice Corvata en el tema que le marca el paso al resto de las 16 canciones.

No sos real, donde participa como invitado Cristian Jr. de Mensajeros, tiene todo: buenas voces, arpegios adecuados y mucha fuerza en el estribillo, como para enfrentar tranquilos la pregunta sobre de qué se trata TOT y tener una buena respuesta bajo la manga. Otro de los invitados de lujo de Sigo acá de Pie es el señor Flavio Cianciarullo, de Los Fabulosos Cadillacs, metiendo voces en República, otra perlita, sin dudas.

Tratándose de un álbum de 16 tracks, en el cual la banda muestra una gran evolución musical y compositiva, la versión en español de Zombie, de los Cranberries, se podría haber omitido o entregarla a los fans en algún EP o track oculto. De todos modos, tiene mucho power y está lejos de ser una mala elección.

Eso no es lo que ves, junto a Tavo de Resorte, es una vuelta a esas épocas de mosh y slam de la segunda mitad de los noventas: “Corrupción es el arte de esta nación; destrucción es el arte de esta población. Hablar de amor no es su rol”.

El disco, que se cierra con Hoy es cuando y Sacrificar, nunca pierde la fuerza, tal vez la principal característica de esta banda que surgió del cada vez más complicado under porteño. Con Sigo acá de pie llegó el sonido que querían y con el que mantienen viva a la banda, a pesar de los cambios nombres y de locación.

Alejandro Panfil

Formato: CD
Sello: Maldito Récords-Pinhead Récords
Edición Nacional: Si
Año: 2011
Puntaje: 8

En un nuevo parate de Ska-P, esta vez en mejores términos, Joxemi y Julio César Sánchez, dos miembros estables de ese grupo, junto a la italianisima Michela Micky Paiano y al batero Eneko, se dispusieron a grabar el cuarto disco de No Relax, proyecto que existe desde 2003 y que encuentra mayor actividad cuando lo permite la multitudinaria banda de Vallecas. 

Luego de Gridalo! (2004), Virus de Rebelión (2006) e Indomable (2006), el nuevo trabajo del cuarteto, cuyos integrantes se reparten entre Madrid, Pamplona y Milán, llega decididamente a sacudir las cabezas de aquellos que quieren un poco de punk rock, liso, llano y pogueable.

¿Qué nos encontramos en Animalibre? Mucha potencia, guitarras estilo motosierra, batería hiper veloz y un bajo firme y latoso. Aquí el violero Joxemi, confeso fanático de Los Ramones, se saca todas las ganas de hacer una música decididamente al palo y distorsionada, tomándose un recreo de la alternancia de ritmos que propone Ska-P.

¿Cómo suena No Relax? Respetan la tradición del género y van a directamente a lo que más les gusta: por momentos rinden tributo al grupo de Nueva York que inició todo y a Bad Religion; en otros momentos pueden estar más cerca de unos Ratos de Porao o de un Attaque 77.  Con la diferencia de que aquí canta una chica, claro está.

Fuego de manantial es la apertura hardcorita del disco donde, a mil por hora, se mezcla la furia punk con el encantador fraseo de Micky. Lagrimas Quemadas, que ya tiene video en circulación, es una de las joyitas de este larga duración. Básicamente, se refiere a lo mal que se puede terminar metiéndose en el juego y en “la pesada”, sea en el país que sea.

Animalibre, que tiene también su versión en italiano, hace la primera gran referencia al hombre depredador, temática que se mantiene en Hijos de la Tierra y Gabbie Di Sangue (Jaulas de Sangre): “Son jaulas de la sangre, y no hay olor de la loca sabiduría. Humanos en contra de mí…pero ¿dónde? pero ¿dónde está mi libertad?”.

En este cuarto disco, definitivamente, están abocados a una intención ecologista con la que alientan a salvar lo que queda sin arrasar en el planeta, principalmente las especies que son victimas de un constante maltrato por parte del hombre.

En No Olvidamos, que tiene un sonido similar al logrado por Ed Stasium para los Ramones en Mondo Bizarro, está dedicado a los desaparecidos de la dictadura chilena y en el mismo aparecen juntos por primera vez desde 2008-aunque grabaron cada uno por su cuenta-Mariano Martínez y Ciro Pertusi. El resultado no podía ser más épico y eso queda reflejado en las tres voces coreando: “Ratas de la oscuridad, buscan cegarlos, sospechosos de pensar, quieren encerrarlos; temen a la libertad y los quieren callar, morir para recordar que vivir siempre es luchar”.

Dentro de ese camino independiente que eligió seguir la banda, al margen de todo lo que tiene que ver con la extravagancia de una multinacional, el disco fue producido por el propio Joxemi y fue mezclado y masterizado por Dani Alcover, que también trabajó con Amparanoia y Súper Skunk, entre otros grupos ibéricos.

Mucho punk, un mensaje concientizador y buena vibra. Esa es la receta utilizada por No Relax para su cuarto disco, que es altamente recomendable. 

Alejandro Panfil

JUEVES 12 DE MAYO

Ya se encuentra en la calle con formato de disco doble, el Invasión 09, producción que completa la serie, 21 años después del primer y explosivo Invasión 88, (con Attaque 77 y Flema a la cabeza) y del Invasión 99, no tan recordado pero no menos interesante. Esta edición contó con una maratónica  presentación allá por Julio del año que acabamos de dar de baja, y que tuvo como protagonistas  a Los Violadores, Mal Momento, y Sin ley, entre muchas otras bandas (Ver Invasión 09 punk fest).

El disco 1 comienza con “Van sangrando” de Los Violadores, tema que suena a los Viola de ayer, de las primeras épocas de rebeldía. El que sigue es Stuka, con “Hey you!!”  track con sonido 100% Stuka.  “Sueños” de Cosa Nostra, aparece con mucho punch, prolijidad y punk del bueno. Los Shaila nos acercan a su hardcore punk melódico con con “Leviatan”, y se meten con la religión. Uno de los puntos más fuertes del cd 1, pasa por Superuva y  su “Presumida”,  un rock n roll con letras divertidas como sólo la banda de Checha sabe dar. Asesinos Cereales, nos acerca una interesante propuesta con “Carpe diem”, un ska punk que suma y mucho. Katarro Vandaliko se destaca con “Tanta maldad” y Muerte lenta con “Shock cerebral” suena mucho a Los Brujos.

Mención especial para las bandas brasileñas: 88 NAO! que sorprende con “Mercenarios” , una base de muy buenas guitarras, punk melódico y una voz muy particular;  Dead Fish nos trae un hardcore punk y brasuca con gran nivel de sonido.

Los alemanes de Opelgang, se parecen mucho a Die Toten Hosen, y Declitos nos deja un track de punk rústico pero efectivo y nos invita a saber más de ellos con “Muñeca con borcegos”.

Ya en el cd 2 encontramos a Flema y “Vahos del ayer” en vivo, y sin Ricky por supuesto. Gatos Sucios nos golpea con su “Siniestro”, tema muy bien elegido para la ocasión y Sin Ley, le pone sal y presencia al 3º track con “Compañero”.  Mal Momento aparece con “Fiebre de Amor”,  sonando como los primeros discos, y aportando lo suyo al disco.

En esta edición de Invasión, también hay espacio para el Hardcore noventoso con la vuelta de Minoria Activa y su “Rebelión de los cobardes” y N.D.I con “Amanece gris” nos lleva a aquellos días del Buenos Aires Hardcore. Satan Dealers, y su excelente track “Luces”, nos acerca lo mejor del Hardcore de más acá.

Con el Niño a la cabeza Generación Zombie sigue creciendo y esta vez nos trae “Sueños de Libertad”. Argies se destaca por su prolijidad en “Fuimos caballos”, mientras que Doble Fuerza con “Colegio embrujado” nos da un rock n roll al mejor estilo “Rockaway beach”. Hay más punk ramone con 24 HS. y su “En un umbral”.

A la hora de las revelaciones, las menciones especiales se las llevan Bad News, Perdiendo el control, Etnia, En mil partes, Tres Round y Clase B, bandas que sorprendieron por sonido, propuesta, talento y creatividad. El bonus track está a cargo de los uruguayos El último de los Ramones, y su “Obehas” es la frutilla del postre, cerrando el disco con toda la energía y velocidad de una banda que se las trae.

Además de las mencionadas Integran el disco Ex Alumnos, Mal Pasar, Skaineken, 3º Cielo, La sangre de Veronika, Enemigos de la clase, Inyectores, Vitamina Q, Monocrom, Nosotros tres, Bien desocupados, Horror Vendetta, 90 Raices, Seguimos perdiendo, Sublevados, Sonido Inflamable, Adictos, Delincuencia, Curiosa Alegría, Culo en la pera, Baldosas Asesinas y Level Up.

Es muy alentador que la escena punk todavía nos brinde este tipo de producciones independientes, en las cuales se mezclan bandas consagradas, bandas en crecimiento, bandas under y en esta ocasión también formaciones de otros países de sudamerica. Invasión 09, es un muy buen producto, un excelente pantallazo que nos introduce dentro del punk rock nacional y latinoamericano actual, que a lo largo de 53 temas nos lleva por diversos sonidos y matices dentro de un mismo género y nos hace disfrutar de todo el disco. Esta nueva edición de Invasión es un importante aporte a la escena, y como sucedió con las anteriores dos ediciones, contribuirá al ascenso de algunas bandas, a la difusión de otras, y a consolidar otras tantas. Lo más interesante resulta de la diversidad y cantidad de formaciones que comparten el disco, y que lo hacen una producción muy rica y que ningún seguidor del punk rock debería dejar de escuchar.

Luego de 21 años al servicio de Attaque 77, a Ciro Pertusi había algo que le estaba faltando y era un poco de libertad y perspectiva, esa que adquirió dejando el grupo que lo hizo conocido y por el que derramó sangre, sudor y lágrimas.

Como él mismo relata en el sitio web de Jauría, su nuevo emprendimiento, ya no se sentía cómodo ni feliz en su viejo grupo. Esto ya se notaba: si se le presta atención al DVD que grabó junto a Martínez, Scaglione y De Cecco en El Teatro de Flores, el trabajo final estuvo lejos de ser una obra ansiada y se los nota distantes explicando de qué se trataba Karmageddon.

La inquietud del vocalista y guitarrista ya tenía antecedentes, aunque él no lo supiera, en Antihumano, de 2003. Al escribir “Me voy a andar en bici, ya me quiero ir, déjenme salir, que estoy marchitándome. No veo la hora de escapar de aquí por fin”, ya empezaba a cerrar su ciclo en Attaque, aunque todavía quedara un lustro con los “Tres pájaros negros”.

La ficha le terminó de caer allá por diciembre de 2008 en Uruguay, cuando cantaba Canción del Adiós, de El Otro Yo, esa que dice “He descubierto un mundo nuevo, me iré sin saludar…”.

En su interior, ya tenía una decisión tomada y su salida se fue postergando por un montón de variables, entre ellas, el miedo “al fin” que relata en Ascenso, segundo tema del disco debut del grupo que formó junto a Ray Fajardo, ex EOY, Esteban Serniotti, de pasado en Cabezones, y Mauro Ambesi, ex Romanticistas Shaolins.

En Ascenso, Ciro hace toda la catarsis post Attaque, como para desocuparse rápido y soltarse en el resto de la obra. “Como todo fin, se hizo rogar demasiado y, justo al fin, creí no estar preparado”, confiesa. Y, en el estribillo, respira aliviado: “Es el fin, nada más certero, nada más perfecto. Es el fin, amo este momento, comienzo de nuevo, desde el fin”.

Indios Kilme refleja que Pertusi nunca renunciará a la conciencia social. Este es un homenaje al sufrimiento de los aborígenes que fueron trasladados de su lugar natural hacia la gran ciudad.

La melodía envuelve cuando arranca Adiós a Dios, donde el cantante se despoja de todo mandato religioso que le hayan inculcado desde la cuna: “En tu cielo no hay lugar para un pobre diablo como yo”.

Pertusi despliega todo su carisma y su inconfundible voz en este disco que suena preciso y contundente, gracias al aporte en las perillas de Jim Wirt, quien ya produjera Un Día Perfecto y Otras Canciones, discos que devolvieron a Attaque a la alta rotación radial a fines de los noventas.

Austin y Astros en el mar son dos piezas de colección y los más duros punks no podrán resistirse a que ambas, de un momento a otro, se conviertan en hits radiales.

El Tiempo, donde sobresale la voz de Pichu Serniotti, acompañado constantemente por los graves de Pertusi, es una buena forma de ir emprendiendo el tramo final del disco de una manera melódica y emotiva.

Guerra en las galaxias, junto con Tosco y La Jauría, aportan la cuota roquera del disco, donde el hardcore punk recuerda que los cuatro miembros del grupo tienen pasado ruidoso.

Ciro estuvo a punto de colgar la guitarra, o al menos de perderse por un buen tiempo. Tardó menos de lo pensado en poner letra y música a lo que siente en esta nueva etapa de su vida. Tal vez no difiere mucho de lo que hizo en el pasado, pero se notaba su ausencia y es una gran noticia que esté de vuelta, renovado y libre.

A pesar de comenzar con una especie de intro “Satellite 15… The Final Frontier”  que sorprende por su falta de onda y seguir con un tema como “El Dorado” que está entre la clase de temas que funciona porque los Maiden los hacen de taquito,  no se puede decir que “The Final Frontier” sea un mal disco. Si lo contextualizamos en la última etapa de los ingleses, la iniciada por “Brave New World” (2000) y continuada por “Dance of Death” (2003) y  “A Matter of Life and Death” (2006) el camino seguido por los ingleses es claro: hoy las canciones de Maiden son largas, complejas y progresivas no solo por extensión si no también por estructura de composición. Así por ejemplo “Mother of Mercy” es un tema serio y elaborado que seguramente entrará en el nuevo setlist de su . gira. “Coming Home” tiene un estribillo de esos que Bruce Dickinson canta mejor que nadie,  mientras que  “Starblind” se transforma en una especie zapada rockero- progresiva que justifica ampliamente el porqué de las violas de Smith-Murray-Gers en la banda. En este contexto los tres últimos temas del disco “The Talisman”, “The Man Who Would be King” y “When The Wild Wind Blows” llevan todas estas cuestiones al máximo ( ninguno baja de los ocho minutos). Los dos primeros incluyen tanto la típica cabalgata a la maiden como una serie de pasajes que dan ganas de que la banda se anime a hacer una serie de conciertos en un lugar pequeño que permita aprovechar y disfrutar esos momentos instrumentales sin gente saltando todo el tiempo al lado de uno. Por su parte “When the winds…”  da la sensación de que el  gran Bruce nos cuenta una historia que van increscendo junto con la banda para terminar en un ambiente intimista con solamente algunos acordes simples y precisos en el contexto de un tema excelentemente pensado y ejecutado.

En definitiva, la nueva obra de Maiden muestra el intento de los comandados por Harris de ir más allá de lo que son,  aprovechando este furor que se ha creado alrededor de ellos a lo largo de los últimos años. Puede gustar o no el camino que están emprendiendo,  pero a esta altura de las circunstancias es difícil discutir a una banda que al menos se anima a traspasar sus propios límites y hacer lo que de veras tiene ganas. Ese es hoy el gran mérito de Iron Maiden y lo que convierte a “The Final Frontier” en un buen disco de la doncella.

Lo bueno de Origen de Fuego es que sorprende. Quien escribe esperaba un disco ganchero y cancionero sostenido en los frutos de Ancestral, la primera obra de los “Chanchos Enfermos”. Sin embargo lo que uno encuentra en Origen… es un trabajo con mayúsculas, pensado, meditado y disfrutado donde las sutilezas y el buen gusto abundan sin dejar de entender que Sick Porky es una banda de rock pesado, valvular y contundente.  Cada tema busca introducir al oyente en una atmósfera especial que muestra los hilos que los muchachos han ido tendiendo a lo largo de más de diez años y que uno calcula, tenderán en futuro.  Un oyente avezado  puede encontrar referencias a bandas actuales o tradicionales dentro del sonido de S. P. pero a diferencia de otros casos, aquí las referencias son sólo eso. La música de los Porkys suena a ellos mismos y esa es su gran virtud.  Entonces el arranque con “Nairobi” muestra un medio tiempo con cierto aire hipnótico que describe el fin del amor entre dos personas y perfila para donde va a ir el disco (lleno de  bases contundentes e infinidad de arreglos sutiles que enganchan al oyente). Incluso la presencia del Theremin – emulando la caída de una bomba – y mediado  por un solo denso,  melódico y pesado da la pauta de que cada tema ha sido trabajado como una pieza particular que hay que tallar, pulir y esculpir.

“Pura Sangre” parece recoger la bomba cayendo y hacerla explotar. Carlos Villafañe juega desde las voces a emular a Robert Plant y sale ganando por goleada. La banda rockea y el solo épico a doble viola muestra que la cosa viene muy en serio.  Tal vez “Hipnótica Oscuridad”,  mediante a la búsqueda de distintas sensaciones, sea uno de los grandes temas del disco. La imagen de la llegada al propio funeral es bien lograda desde la lírica y desde la música. La banda logra alcanzar los diversos climas que precisa el tema soltándose en un largo solo que uno desea que no termine nunca.  El cierre con un machaque denso y pesado está pensado para ser tocado en vivo y para romper cráneos.

“7 años” es una gran canción con un estribillo bien pegadizo que podría haber participado tranquilamente de “Ancestral”.  Precisamente esto es lo que linkea con “Serpentario” que se transforma en la exacta dosis de gancho y la deformidad riffera que proponen bandas como Baroness o Mastodon.

Un aire árabe invade a “Constructores Cíclopeos” en consonancia con la lírica “Sobre la arena/ ardiente inmensidad” junto a varias capas de violas que muestran el crecimiento de Jeremías Stutz y de Mariano “El Tata” Martinez que se complementan a la perfección como en todo el disco.

“Cuando llegue el final y caiga sobre mi/ Sin dejar nada que hacer/ sin nada por vivir” repite una y otra vez “Desideratum” sostenido en la firme estructura de Leandro Spatola y Sebastián Licio en bajo y batería. Simples y contundentes permiten que la banda descanse  sobre sus espaldas y vaya incrementando la intensidad del tema, en un in  crescendo de voces intercaladas que se hacen cada vez más y más emotivas.

Tanto “El umbral” como “La Caída” son dos medios tiempos que muestran a la banda navegando por los terrenos más densos que rockeros.  Riff bien marcados y la banda demostrando que puede generar climas bien oscuros sin ningún problema. “Le Tugurio” vuelve a mostrar el pulso bien rockero describiendo una especie de descenso a los infiernos  para dejar paso  a  “Falcónidas” que sigue en la misma línea de temas rockeros pesados y gancheros.

El final deja repitiendo “No hay nada que temer/no hay por qué dudar/llevo la marca que me elevará” casi como un mantra que se ha hecho realidad. Sick Porky demuestra en “Origen de Fuego” que está para pelearle para cualquiera. Con discos  como este hay poco que temer y mucho que ganar. Solo resta, de la mano de discos como este, afrontar sin temer el futuro.