Es sábado a la noche en Palermo, muy caluroso por cierto. Luego de una espera larga que incluye a Pez y su rock spinetteano, será momento para que Massacre salga a seguir presentando los temas de Ringo, su último disco de estudio.

Con Tengo Captura, y un sonido flojo que no podrá mejorarse en toda la noche, aparece la banda a hacer lo que sabe y Wallas a entregar sus ingeniosas encuestas sobre si “Britney Spears hizo playback en La Plata”, como también cuestionar a los del campo porque se quejan de la sequía cuando todos nos encargamos de hacer pelota el planeta.

En el show, de aproximadamente una hora y que terminó a pura espuma desde el techo, no faltaron joyas como Muerte al faraón, La Web del siglo, Celebrity, reconocida por Wallas como influenciada por el sonido de Joy Division, y La Virgen del knock out. Claro que también se hicieron presentes los clásicos, como Te leo al revés, Mi mami no lo hará y Nuevo día.

Si bien se trata de las Fiestas Clandestinas, todavía no quedó definido del todo lo que pretende ser este ciclo. Al comenzar muy tarde las bandas, la fiesta se pospone porque nadie baila y todos miran el escenario como si por arte de magia fuera a aparecer un grupo que ya tiene un horario estipulado. Luego del recital, claro, no hay fiesta posible, porque no queda un alma. En esa indefinición sobre si es fiesta o concierto propiamente dicho, se pasa por alto un increíble DJ set de Cristian Aldana, tal vez por el mal humor de la espera.

De todos modos, una ocurrencia de Wallas, un repertorio lleno de rock y melodías y una bebida en la mano hace que todo tenga otro color, por suerte.

Alejandro Panfil

Riffs, melodías, texturas, emoción, épica, rock, madurez, consolidación, calidad. Estas son nada más algunas de las palabras que podrían definir el momento por el que está pasando Taura y, a la vez, describir la variedad de elementos que contiene su nuevo álbum llamado El fin del color.

Si bien es un disco de temática oscura y reflexiva, en que la luz se extingue y las tonalidades se diluyen, paradójicamente posee una paleta de colores que pintan a la perfección la idea que quiere llevar a cabo Taura, banda que tiene más de una década de carrera con varios discos y EP’s en un currículum que también está hecho a base de patear duro y parejo por el under porteño.

Ya pasó la época de definir los integrantes de la banda y ya quedó atrás la búsqueda de un sonido característico. Hoy tienen ambos aspectos solucionados y se nota a la hora de escucharlos. Chaimon, desde su rol de cantante, explota al máximo su faceta rockera y melódica; el resto de la banda es una locomotora que avanza sin temor a una eventual falta de carbón, con la batería de Alejo García Guraieb, la guitarra de Santiago García Ferro y el bajo de Leonardo Della Bitta.

No luz, que contiene furia, riffs y un aire al Faith no More de King for a day…, es la primera de las doce grandes canciones que habitan El fin del color,  como Jardín de Cenizas o Lazo, pero sin dudas es el sexto tema el que debería llevar la cinta de capitán:  A cántaros, sin exagerar una de las mejores canciones salidas a la luz en 2011, resume lo melódico, lo oscuro, lo pesado y hasta lo épico de Taura, con climas y sonidos que recuerdan al mejor Deftones: “Palabras que solo la calmen, susurros después del aluvión, miradas que también le hablen,  de amor después del aluvión. Y un cielo que estalle a cantaros”.

Con desesperación, desolación, oscuridad e incertidumbre se podría llegar a pensar que no hay salida posible. Pero Taura utilizó todas esas sensaciones a su favor, para hacer el gran disco que es El fin del color.

Alejandro Panfil

La noche del 29 de Diciembre empezó tímidamente a la hora señalada con Shindelar, y se despertó sobresaltada con Katarro Vandáliko, quienes aprovecharon para recordarnos que ya está en la calle su último disco El sonido de tu tiempo. Después del último golpe de platillos, hubo que esperar algunos minutos para que se prendieran las luces que darían paso al plato fuerte de la noche.

A las 22.20 comenzaron a sonar los vientos de Qué mundo, al tiempo que la hinchada cadenera no cesaba de tirar papelitos y bailar tanto como el calor les permitía. Una vez comenzada la fiesta, se escucharon canciones de contenido predominantemente político, como Secretaría de turismo, Ángel del pasado y Dueño de tu mente. Luego, le siguieron hits de todas las épocas, como En burla del destino (en una versión más punk y casi irreconocible, que ya viene sonando desde hace algún tiempo), Te quiero mal, Malas costumbres  y Fiel soledad. Y es que después de un año entero presentando Plaga, y en la noche de su aniversario, Cadena eligió hacer un repaso por toda su discografía.

Aunque hubo mucha menos interacción con el público que de costumbre, Edu se tomó su tiempo, entre canción y canción, para mostrar cada una de las banderas que el público les acerca año tras años. Los papelitos, que no llegaban a tocar nunca el piso ayudados por la inagotable energía de la hinchada y por los ventiladores de Groove, cubrieron el techo cuando sonaban los primeros acordes de Pálido y oscuro, último corte de difusión.

Después de tocar casi dos horas, sin bises ni ninguna otra señal que permitiera saber que el concierto llegaba a su fin, Hernán Valente gritaba Sigo acá, como diciendo: “chau chicos, hasta luego”.

Natalia  Jakubecki

 Formato: CD
 Sello: Independiente
 Edición Nacional: Si
 Año: 2011
 Puntaje: 6

Paso a paso, como decía Mostaza Merlo cuando le preguntaban sobre las chances de Racing de consagrarse en el 2001, I.R.A., quinteto integrado por Sergio Ira, Salvador Sánchez, Javier Ariza, Lisandro Rosker y Gonzalo Ira, lleva adelante su proyecto musical que tiene como premisa, por sobre todas las cosas, tocar y tocar, aprovechando al máximo cada oportunidad que se presente en la escena porteña.

Su disco homónimo, en el que dejan notar influencias que vienen por el lado de Social Distortion, Attaque 77 y Bulldog, cuenta con nueve canciones prolijamente grabadas con las que logran trasladar la esencia de sus presentaciones en vivo, aunque la voz queda un poco expuesta.

I.R.A. es punk rock de tracción a sangre con algunos toques melódicos, como los que se pueden apreciar en Cero, Perros callejeros y En el camino. En dichos tracks se hace presente un tono melancólico y algo pesimista que se va de un plumazo cuando llega El Calavera, ya decididamente en clave festejo: “preguntale al diablo si lo ves, cuando me muera si nos vamos a ver, no quiero ir al cielo a descansar, quiero quedarme viviendo un poco más”.

El disco, grabado en el estudio Elephas con Jorge Kontos a cargo de las consolas, fue producido por la propia banda y mezclado por Max Scenna, cantante de Fetzet. I.R.A. y su disco ya están disponibles para aquellos que se quieran acercar.

Alejandro Panfil

Cuarenta y cinco minutos más tarde, y en forma puntual, de acuerdo al fixture del evento, salieron los No Relax a hacer su set de punk rock en lo que era su penúltima presentación en Argentina luego de pasarse tres meses haciendo una gran cantidad de fechas por el interior del país. El menú de la banda de Joxemi, Micky, Julio y Eneko incluyó temas de todas las épocas, como Fuera de Control y No Olvidamos, con Ciro Pertusi, y un cierre con un gran homenaje a Riff con Que sea rock, frase que ya quedó tatuada en la espalda del guitarrista navarro.

Finalizado el gran concierto de No Relax, que por momentos tuvo a Joxemi tocando entre el público, fue el turno de Jauría, que recorrió su disco debut con El tren, Morgue Corazón y Austin, también pasando por temas de Attaque 77 como Canción Inútil y Donde las águilas se atreven. El grupo de Pertusi, Fajardo, Serniotti y Ambesi cerró un gran año que los tuvo tocando mucho y haciéndose un lugar en el mainstream local.

Al término de Jauría llegó The Locos, el multitudinario grupo de Pipi, de Ska-P. Jugando ya de local, tuvieron una gran conexión con un público que deliró de principio a fin con temas de su discografía, como Don’t worry be happy y Resistiré, y covers como La Bolsa, de Bersuit, y Carne para la picadora, de La Polla Records.

Se fue la fecha porteña del Revolución Fest y quedó abierta la propuesta para que este tipo de festivales con música y conciencia ecológica se repitan en un futuro cercano. La idea pegó en la gente, que respondió en gran número, y en los músicos, que dejaron lo suyo en el escenario.

Alejandro Panfil

Foto: Ocio de Aká

Viernes por la noche en El Teatro de Flores. Carajo se dispone a dar uno de los dos shows que tiene este fin de semana para cerrar el 2011, sin dudas uno de sus mejores años en los diez que llevan de carrera.

La ciudad es acechada por una humedad insoportable y, de a ratos, la lluvia se hace presente para que la noche pinte aún más complicada. Sin embargo, el recinto está repleto de carajeros que nunca darán la espalda a pesar del mal tiempo.

Luego de la introducción del último disco, con ese bebe llorando desesperado, aparecen Corvata, Langer y Vilanova para sacudir a los presentes y derrochar energía con una lista que incluye ¡25 temas!

El comienzo del show viene cargadito con cuatro canciones de El mar de las almas: Acido, Humildad, Luna herida y Una nueva batalla. La banda, con eso, ya dejó demostrado que suena impecable y que le puede hacer frente a cualquier propuesta internacional que llegue a Buenos Aires.

A partir de allí, los Carajo empiezan a recorrer sus cuatro discos, pasando por Chico Granada, de Inmundo, El error, de Atrapasueños, e Ironía, de ese primer disco con el que salieron allá por 2001 y que presentaron en el Roxy de los arcos.

Esta vez no hicieron el habitual popurrí de Pantera pero redoblaron la apuesta convocando al Canario de Plan 4, un amigo de la casa, para romper todo con un enganchado de Five Minutes Alone y I’m Broken, de la banda de Anselmo y el fallecido Darrell.

La melodía llegó gracias a Virus anti-amor y un rato más tarde Corvata homenajeó a todos los músicos que la pelean día a día con El que ama lo que hace. Zion, una especie de reggae metalero, muestra la versatilidad que ha adquirido el grupo y Sacate la mierda recuerda la furia post corralito y salida de De La Rua.

Para los bises no hubo señas de cansancio y arrasaron con Histeria, TV, Canción de moda, que ya tiene incorporado el corito de la gente,  Triste, dedicado a Gabriel Ruiz Díaz, Gustavo Cerati y Gamexane, y Joder, para que nadie se quede con ganas de eso, de joder.

Carajo cerró un año inolvidable, que los tuvo tocando por primera vez en el Luna Park y recibiendo una nominación para los Grammy. Están en un gran momento, lo disfrutan y van por más.

Alejandro Panfil

Foto: MTS/El Teatro

“Ararat es música de la resistencia” es lo que reza el sencillo pero interesante librito de dos hojas que acompaña a Ararat II, el nuevo disco del proyecto paralelo de Sergio Chotsourian, guitarrista y cantante de Los Natas, llevado adelante junto a su hermano Santiago Chotsourian y Alfredo Felitte.

Escucharlo durante los 56 minutos que dura es escalar imaginariamente el Monte Ararat, ese que fue arrebatado por Turquía a principios del siglo XX y que nunca más fue recuperado por sus verdaderos dueños. La tristeza, la rabia y la resistencia quedan expresadas musicalmente por estos descendientes de armenios que a miles de kilómetros de distancia logran empatizar con la causa.

Acá no cabe el facilismo de sentenciar que es un álbum de Los Natas con otro nombre y es menester poner cada cosa en su lugar: la banda de Chotsourian, Broide y Villagra se basa en la oscuridad metalera del viejo Black Sabbath y en la zapada eterna. En Ararat II se alternan los climas, a tal punto de ser dos discos en uno: se pasa de lo más denso y pesado, con Sergio soltando frases cortas pero contundentes como “el tiempo es un caballo rápido, lo sé”, en Caballos, a un clima más reflexivo y melancólico en Atenas, donde Santiago Chotsourian, licenciado en composición, dirección orquestal y coral, aporta lo suyo desde el piano.

Sergio CH encuentra lugar también para meter guitarra criolla en El inmigrante, que como su nombre lo dice, describe lo traumático de abandonar el lugar de origen: “Son cinco los barcos que llegan, hay uno que es para vos, descargan maquinas de guerra, familias partidas en dos”.

La batería, a cargo de Alfredo Felitte, se hace presente con toda su fuerza en La ira del dragón (Uno), última descarga energética antes de redondear la obra con Tres de Mayo, un instrumental que cumple con el objetivo de erizar la piel y agudizar los sentidos de quien haya experimentado Ararat II, un disco que, sin exagerar, marcha derechito a convertirse en uno de los mejores del 2011.

Alejandro Panfil

Como suele suceder en las últimas temporadas, Taura elige la cercanía de fin de año para presentar algo nuevo. Esta vez,  la “excusa” era presentar su tercer disco sin contar EP´s y participaciones llamado  El Fin del Color , una suerte de link directo hacia  el nombre de su primera obra, Mil Silencios , cuya lírica repite Soy el fin del mundo/Soy el fin del color con insistencia .

Sabiendo esto, la idea fue hacer un mix entre el pasado cercano y el presente actual. Entonces el comienzo con “No Luz” y “Dos”, los temas que dan inicio a “El fin…” fue enérgico y potente como suele pasar con Taura.  En definitiva, aquello que en los discos es melodía y sutileza, en ocasiones se acelera con la adrenalina que genera el vivo  dando otro color a las canciones.  Esta transformación se observa incluso en canciones como “Mi mejor lugar” de “Huésped” que se vio envuelta en los riff marcados de Santiago desde la viola formando una comunión casi perfectas con la contundencia de Leo bajo y la de Alejo en batería. Luego de que Gabriel (o Chaimon) definira al nuevo disco como un lugar de felicidad , “A Cántaros” mostró tal vez una de las cartas que suele tener bajo la manga la banda, aquellas canciones que van creciendo en melodía e intensidad insinuando la mezcla entre naturaleza y electricidad. La continuidad con “En las Vertebras” mostró una cara menos vista: un riff trabado y pesado sumado a una descripción exhaustiva de un estado de angustia.

A esta altura, el show cobraba en intensidad y contundencia sostenido en una banda que desde lo instrumental funciona como un triángulo perfecto para hacer de soporte a un Gaby, que definitivamente disfruta del vivo y en directo porque es su espacio para poner cuerpo y alma. “Aconcagua”, uno de esos pequeños clásicos, fue un gran reflejo de esto con Gaby contorneándose con la melodía de la canción. Acto seguido, “La venganza del Sol” – tal vez el tema más esperanzador de la banda – fue una especie de maridaje perfecto para este guiño a los dos primeros discos.

Luego de otro tema del último disco “Derribadores” y otro  de Huésped “Días Abandonados”, el turno fue para otra canción de “El fin…” la ganchera y de estribillo memorable  “200 días” presentada por Chaimon como aquella que habla de aquellos discos que uno escucha una y otra vez, aunque duelan. Gran momento para el que tal vez sea el tema más recordable de “El fin del color”.

Después de mencionar que se venían los cinco últimos temas, “Hombros Abatidos” y “Abandoné” intercaladas con “Nudo Arido y Seco” de Huésped y Muelle de “Mil Silencios”,  el final fue precisamente para “Mil Silencios”  recordándonos en medio de la calurosa  Buenos Aires, que habíamos sido invitados a la presentación de la nueva obra de los Taura.  El final había llegado, pero sin lugar a duda, el cierre del show funcionó como símbolo de inicio de una nueva temporada . Mas adelante,  nos encontraremos para continuar disfrutando de estas canciones. Esa es la esperanza que dejó este puñado temas para todos los presentes.

Duff McKagan, al igual que varios de sus ex compañeros, vio cómo su salida de los Guns N’ Roses se daba de una forma mucho más natural de lo que él pensaba. Luego de participar de ese gran circo en que se había convertido el grupo, el bajista se dio cuenta de que ya no estaba allí por razones musicales, razones que deberían ser las más importantes al fin y al cabo.

Así fue que, cada vez que pudo, se vio envuelto en diferentes proyectos, solo o acompañado, pero siempre arriba de un escenario y en la ruta, no tomándose demasiado tiempo para mirarse el ombligo y evaluar cuestiones existenciales que no tenían nada que ver con su perfil de viejo punk rocker de Seattle.

Fue solista y luego se juntó con Steve Jones y compañía para armar el fugaz Neurotic Outsiders; formó Velvet Revolver y, tras lidiar con las andanzas de Scott Weiland, volvió a ser solista, que al parecer termina siendo el formato que más cómodo lo tiene y que, dicho sea de paso, lo acercó nuevamente a la Argentina para sacudir al Teatro de Colegiales como en su visita de 2009.

Al frente de Duff McKagan’s Loaded, el ex bajista de los Guns, ahora rascando una Telecaster como solía hacerlo Joe Strummer, canta hasta quedar casi disfonico y lanza sus típicos “motherfuckers” hacia todos los rincones del recinto ¿Y eso todavía funciona? Sí ¿No es un poco anacrónico? Tal vez ¿Y qué?

Luego de un correcto show del LA Guns Phil Lewis, con los Coverheads de backing band, salió Duff a darlo todo por un público que se brinda de una manera que él no puede compensar con palabras ya que su español, como él mismo confiesa, es un desastre. Igual lo intenta y deja a todos más que contentos.

Con Executioner´s Song, llena de riffs poderosos a cargo del guitarrista Mike Squires, El Teatro pasó rápidamente a convertirse en una olla a presión. Si hablamos de Squires, éste le puso demasiada onda a los vasos cargados de cerveza que los “genios” del primer piso le tiraban cada cinco minutos, mojándole una guitarra que vale unos buenos dólares. ¿Querés punk? Ahí lo tenés.

We Win y Dead Skin, separadas solamente por Sleeze, completaron el primer bloque de canciones que forman parte de The Taking, el disco que salió este año y que sirvió de excusa para la gira que los trajo una vez más a Sudamérica.

El set list, que incluyó canciones de casi todos los proyectos de Duff, excepto Velvet Revolver, tuvo a New Rose, cover de los Damned que apareció en The Spaghetti Incident, y Good News, de la etapa con Neurotic Outsiders. Para esta altura del show, el agite del público era total. Y por si lo anterior fuera poco, So fine, gran hit del Illusion II, hizo explotar al local que ahora será el bunker de Mario Pergolini

Arribando a los tramos finales, llegó el set acústico en que McKagan, con camiseta argentina de rigor, soltó You can´t put your arms around a memory de Johnny Thunders, uno de los amigos más tóxicos de otro héroe punk como Dee Dee Ramone. Acto seguido, hizo emocionar a todos los presentes con el pegajoso Wasted Heart.

El bloque final arrancó con Attitude, el clásico de los Misfits del cual se ha apoderado Duff desde los tiempos gunners, y Translucent, cantado por el bajista Jeff Rouse. El cierre total fue acudiendo a canciones tal vez un poco trilladas por estos lares, como Dust n’ Bones e It´s so easy, cuestión que tampoco le hace restar puntos a una presentación que no tuvo fisuras importantes.

Duff McKagan, que había acumulado millones a cambio de perder el amor por lo que hacía, está llevando una digna carrera desde un lugar mucho más cómodo, entregando buena música y recibiendo respeto. Al menos, en Buenos Aires dio esa sensación.

Alejandro Panfil
Fotos: Bea

CRÓNICA Gustavo Contreras León

El rock puro y sucio tiene su génesis en un garaje, al menos esa es la concepción romántica del género –si es que hay espacio para el romanticismo dentro del rock puro y sucio- , y los pequeños bares se erigen como el escenario perfecto para gritar directo a la cara de los fanáticos. Lejos de las enormes tribunas de River y Racing, Black Rebel  Motorcycle Club encontró en Niceto Club su CBGB porteño.

Sus 13 años como banda están dando frutos y con cada disco van llegando más seguidores, pero todavía no pertenecen al clan de “los mainstream” y eso se agradece, porque lo de tocar en lugares cerrados, para menos de mil personas, les queda del carajo. Así, sin pretensiones de estadio, se presentaron el martes 08 de noviembre en la tarima principal de Niceto, en la primera de dos noches llenas de guitarra, bajo y batería.

A las 10 en punto iniciaron el recorrido por lo más destacado de sus cinco álbumes, siendo Beat The Devil’s Tattoo, sencillo de su último disco con el mismo nombre, la encargada de encender la mecha del explosivo show. En el primer bloque también sonaron Bad Blood, Berlin, Love Burns y Rifles.  Canción tras canción el público fue alimentando a la banda con bocados de adrenalina procedente de la médula misma del blues-garaje-rock que rebotaba en las paredes.

Luego llegó el escupitajo a los ojos de Conscience Killer, seguido de 666 Conducer, Shuffle Your Feet y la popular Ain’t No Easy Way. El revoleo de camisetas y los “oe oe oe oe rebel rebel” entre tema y tema fueron el regalo de los fans para los músicos.  Y los tres respondieron, sin discursos repetidos y aduladores, con música.

Cada uno cumple su función sin opacar al otro. Peter Hayes rasga su guitarra con firmeza, sin inmutarse, perdido en su mundo de acordes y punteos; si apenas echa un ojo a la audiencia es para recordarse a sí mismo que no está en un ensayo. En el otro extremo de la tarima, Robert Levon Been, va del bajo a la guitarra y regresa cada tanto; se encarama en los parlantes y apunta con su instrumento. Detrás de ambos está la hermosa Leah Shapiro, encargada de empujar con el bombo el camión sonoro que se lleva todo por delante; se mantiene en un trance de compases del que apenas despierta cuando suelta sus vaquetas, detalle que nutre la intimidad entre los de San Francisco y sus espectadores.

Stop, Mama Taught Me Better, Awake, Red Eyes and Tears, Six Barrel Shotgun y Spread Your Love llegaron una tras otra; y la encargada de marcar el pequeño descanso fue Whatever Happened to My Rock ‘n’ Roll, que puso a Niceto Bar patas pa´ arriba.

Después del “break” sonaron You Run, Devil`s Waitin´, Half-State, In Like the Rose, Weight of the World, Shadow’s Keeper y Open Invitation, que encontró a los dos vocalistas y fundadores de la banda arrodillados en el piso, pulsando las cuerdas y despidiendo la noche con un dejo de calma después de tantos decibelios.