Lo interesante de cubrir un show como el de Blue Öyster Cult  es que permite, mágicamente, retrotraerse a los inicios del rock pesado y  a una especie de proto heavy metal. Para los que nos los conocen o los conocen vagamente de nombre, los BÖC nacieron en los setentas y para muchos fueron la respuesta Estadounidense para Black Sabbath, cuando el panorama del rock pesado mundial era monopolio de las bandas Europeas. Menos pesados, menos oscuros aunque más intelectuales que la bruja negra – llegaron a incluir referencias directas a escritores como H.P. Lovecraft, Edgar Allan Poe e Stephen King en sus líricas – en algun momento de su larga carrera conocieron la fama. Hoy son una banda de culto sostenida por el peso de la historia y de la lucha por la subsistencia.

Un The Roxy Live algo vacío pero lleno de un público que sabía porqué estaba ahí,  los recibió con los brazos en alto. El comienzo fue para “The Red and The Black” un tema rockero con cierta atmósfera a la música country yanqui sin llegar a serlo. “Golden Age of Leather” arrancó con un especie de arenga  a concurrir a una taverna y continuó con un pulso rockero e hiper ganchero. “Burnin´ for you”, fue el primer hit de la noche con cierta atmósfera A.O.R.  – tal vez sin saberlo ellos colaboraron en que la esta etiqueta existe – que impregnó el ambiente.

A esta altura,  se podía ver como la banda se sostenía en los históricos Donald “Buck Dharma” Roeser  y  Eric Bloom quienes intercambiaban base y protagonismo tanto desde las guitarras como desde las voces, mientras que Richie Castellano con cierta fama ajena a la banda por este video viral  , aportaba energía y pirotecnia que contagiaba el ambiente.  Por su parte, Jules Radino cumplía con contundencia y precisión tras los parches realizando una especie de unión simbólica con Rudy Sarzo que mostró todo su oficio tras las cuatro cuerdas a lo largo del show.

En este contexto “Shooting Shark” y “Cities of Flame”  parecieron ser dos de las caras sonoras de la banda. La primera bien radiable – en una radio Aspen suena seguro – , la segunda bien rockera contundente y con una larga zapada instrumenta sostenida en el tandem Sarzo – Radino acompañada de la armonías musicales y vocales del resto.

“The Came The Last day of May” con tufillo blusero de principios de los setentas mostró  - en gran nivel – la veta más colgada y experimental de la banda mientras que “M262” fue un rock  básico y eléctrico en el medio de una canción irónica y antibelicista. “Bux Boogie” fue un espacio de lucimiento instrumental para todos mientras que “Godzilla” sirvió para dos cosas. La primera para que el público repita como un mantra el estribillo, la segunda para que promediando el tema la banda a pleno ejecute pequeñas versiones de temas de Quiet Riot, Whitesnake, Ozzy Osbourne y Dio en homenaje al pasado de Rudy Sarzo. Esto sirvió de introducción para un pequeño solo de bajo – batería que culminó con la banda cerrando el tema con energía y potencia.

El final con la hipnótica – y tal vez su gran hit – “(Don’t Fear) The Reaper”  sumada a “Hot Rails To Hell” cantada por Richie Catellano fue el cierre perfecto para una noche clásica con una banda clásica. Después de todo,  la música que amamos nació en algun lado. Blue Öyster Cult en algún momento aportó su granito de arena. Haberlos visto permitió entender cual fue.

La poesía es un arma cargada de futuro. Gabriel Celaya. Cantos íberos (1955).

Por Carlos Noro. Fotos Jorge Sebastían Noro.

Cuando uno menciona la década del setenta hay un sustantivo que sirve de síntesis para toda la ebullición que se generó en esos años. La palabra revolución tenía por aquellos años una fuerza inusitada, a la vez real y palpable. Estaba cerca, incluso si uno se esforzaba podía llegar a tomarla entre sus manos. Hubo tantas propuestas  para concretar esta necesidad de cambiar radicalmente las cosas,  como caminos para intentar llevarla a cabo. La música fue uno de ellos.

Quilapayún (en mapundungun quila: tres, payún:barbas)  fue una de esas propuestas. Desde la canción folclórica optaron por cantar las injusticias y la explotación que sufrían no solo el pueblo chileno si no también el latinoamericano. Un día conocieron a Victor Jara y ahí su historia cambió radicalmente, Jara se convirtió en su director artístico. Definieron juntos, las barbas y ponchos negros que los acompañan hasta hoy. Defendieron la propuesta de la Unidad Popular de Salvador Allende y sufrieron al golpe del genocida Augusto Pinochet. Jara a esa altura un músico clave dentro de la canción popular no solo chilena si no también latinoamericana,  perdió la vida frente a un grupo de cobardes soldados luego de ser secuestrado en el estadio chileno que hoy lleva su nombre. Los Quilapayún llevaron su dolor a Francia. Siguieron actuando en Europa y brindando su mensaje de liberación. Hoy por cuestiones particulares hay dos versiones del grupo. La que vimos en la Argentina es la que permanece radicada en Chile.

Luego de más de treinta años,  los Quilapayún eligieron esta etapa de su carrera para homenajear a su amigo entrañable. Las palabras  iniciáticas de Eduardo Carrasco, único miembro fundador  que aún permanece en el grupo, sirvieron para entender los motivos. La idea era recordarlo a través de sus palabras que no son otra cosa que sus canciones. Esa es la mejor manera de volver a la vida a aquello que se ha ido pero que no se ha perdido. Los acordes de “Plegaria de un labrador”, aquella canción  en la que un trabajador de la tierra reza una especie de oración cristiana pidiendo su liberación, fue el punto de partida de la noche. El silencio, aquel que antecede al recuerdo, fue quebrado por ese conjunto de voces potentes y armónicas sostenidas en los ocho integrantes y el sonar de sus instrumentos.  La tremendamente actual “La canción del minero” que expresa la explotación de los mineros en chile sirvió de contraste con la intimidad de una canción que Jara dedicó a su mujer “Paloma quiero contarte” y con el relato de la historia de una pareja obrera en el que el hombre se separa de su mujer para unirse a la guerilla, denominada “Te recuerdo Amanda”.

A esta altura, cada canción debidamente introducida a modo de coro griego por alguno de los integrantes del grupo, servía para ir armando a modo de rompecabezas el pensamiento de Jara. “Herminda de la victoria” fue el relato de una bebé que muere de un balazo policial en la represión que sufrió un campamento obrero. La postuma “Manifiesto” (Yo no canto por cantar /ni por tener buena voz /canto porque la guitarra / tiene sentido y razón/ tiene corazon de tierra)  incluída dentro de un grupo de grabaciones rescatadas mágicamente de la mano de los genocidas, sintetiza la manera de vivir y de morir del poeta chileno. Así como también “Con el alma llena de bandera” (Allí donde se oculta el criminal/tu nombre brinda al rico muchos nombres./El que quemó tus alas al volar/no apagará el fuego de los pobres.) es un llamado a hacer carne la verdadera revolución que cambie las cosas. El cierre con “El aparecido” que narra poéticamente las vicisitudes del Che Guevara en la selva boliviana, parece ser una metáfora de la trágica muerte del poeta sufriendo los pasos mortales de sus perseguidores.

Para el final de esta primera parte del concierto nuevamente la voz de Carrasco  reapareció contando con detalles la cantidad de balazos que recibió Victor Jara. Parece increíble pero ni siquiera cuarenta y dos balazos sirvieron para acallar su discurso, su memoria y fundamentalmente su palabra.

La segunda parte del concierto, luego de un breve intervalo, fue orientada hacia los temas clásicos de la agrupación sin la presencia de Jara. Así brillaron “Cantamos porque si y porque no”, “Miren como sonríen” una canción irónica de Violeta Parra, “Vamos Mujer” de  su disco “Cantata Santa María de Iquique” (unos de los discos fundamentales de la canción popular chilena), “Donde está la que quiero” (dedicada expresamente a los desaparecidos de todas las dictaduras que destruyeron Latinoamérica) o la icónica “La Muralla” mezcladas con canciones menos solemnes pero igualmente contundentes desde el punto de vista de su posición política, como “Tío Caimán” presentada luego de una graciosa puesta en escena de lecturas de diarios que hizo recordar a Les Luthiers.

El final con “El Pueblo Unido jamás será vencido” tal vez una de las frases que trascendieron la época y la distancia, sumada a “La Batea”  que hizo mención a temas de la actualidad inmediata como la situación de las educación chilena cerró el telón pero no la herida. Como pocas veces el recuerdo de alguien que ya no está impregnó el ambiente. Tal vez las injusticias sigan existiendo y la lucha haya sido en vano. Sin embargo, la voz de Jara hace pensar que otro mundo todavía es posible. Solo resta encontrar la forma de llevarlo a  cabo de una vez por todas.

Sr Flavio, Massacre, bebidas espirituosas y buena comida, en la inauguración de un nuevo lugar para Capital Federal muy cerca de CAMINITO. Para visitar y recorrer.

Fotos: Jorge Sebastián Noro

La propuesta de Vietnam con bien dijo en algún momento del set Claudio “El Pastor” Filadoro,  esta vez autodenominado Kowalski detrás del bajo y las voces; junto a Thompson en guitarra y Miranda en batería;  podría tranquilamente hacer un viaje imaginario hacia un la escena thrashera de 1986. Música a las chapas, riffs gancheros, suciedad y cinturones de balas imaginarios, rápidamente sintetizan lo que busca el trío. Como se imaginarán la guerra es el leit motiv en general, entonces “Bite the Rat” habla de lo que comen los soldados en la guerra, lo mismo que “Castle made of blood” o la  literal “All you need is war”. En definitiva el soundtrack que debió contratar Lyndon B. Johnson para ganar Vietnam. Para ver Pelotón o algunas de las de Rambo con subtítulos y sin sonido. Sangre y balas garantizadas.

Reajuster Session es de esas bandas que uno se queda corto si las encasilla en un estilo. A simple vista su sonido está cercano al stoner pero por los poros aparecen sonidos cercanos a Tool y a Alice In Chains por citar algunas influencias que conllevan a que construyan pasajes, densos, pesados y por sobre todo climáticos. A pesar de que la figura de Ash resulta atrayente desde el punto de vista de su versatilidad vocal y su potente despliegue escénico,  lo particular de R.S es que cada cual encuentra su lugar para darle su color a la música y al sonido general del grupo.  Así desde la guitarra rebosante de variedad y buen gusto, pasando por un bajista que sabe cómo y porqué distorsionar su instrumento, hasta el recientemente incorporado baterista que aporte un golpe rockero y certero, uno puede vislumbrar que caminos quiere transitar la banda, que a simple vista parecen amplios e intensos. Para muestra “Walking” y “Liar” del E.P “No More Flippin`” que pueden escucharse online en el Myspace de banda y que dan una idea aproximada de alguna de las virtudes de los Reajuster Session. Para conocer el resto, vayan a verlos. No se van a arrepentir. Van a transitar un buen viaje.

Fotos  por Jorge Sebastián Noro

http://www.flickr.com/photos/subterfugiofotoyvideo

Fotos  por Jorge Sebastián Noro

http://www.flickr.com/photos/subterfugiofotoyvideo